VITO
ACCONCI - http://www.acconci.com/
Nace en 1940 en Nueva York (Estados Unidos). Vive y trabaja
in Nueva York (Estados Unidos).
En 1962 obtiene su BA en Literatura en Holy Cross College
in Worcester, Massachusetts. En 1964 completa su MFA en
la University of Iowa in Iowa City.
Acconci es una de las claves del arte de la segunda mitad
del siglo XX y un pionero de la performance, video, instalaciones
y en la exploración del espacio arquitectónico.
Su obra traspasa las fronteras del arte, para llegar más
allá de la galería o el museo, hasta los
espacios públicos.
Vito Acconci se dedica primero a la escritura y a la poesía.
Comienza a producir arte conceptual a finales de los años
60. En 1969 realiza sus primeras obras visuales, combinando
fotografías con textos. En Grasp (1969), reconoce
las capacidades de archivo de la fotografía, ubicando
en primer plano el acto de performance en si mismo, de
tomar fotografías, de hacerse físicamente
con una imagen. Este proyecto anuncia el dialogo entre
la cámara y el cuerpo, convirtiéndose en
un aspecto esencial de su trabajo en adelante, particularmente
en las series de películas y videos de Súper-8,
realizadas entre 1969 y 1974 en los que contempla obsesivamente
su propio cuerpo.
Las performances, filmadas de manera privada, incluyen
una intensa manipulación corporal, como en Conversions
II: Insistence, Adaptation, Groundwork, Display (1971),
la segunda de una trilogía de películas en
las que se plantean interrogantes acerca de la rigidez
de los géneros (masculino- femenino), el artista
intenta feminizar su cuerpo de varón; en Open Book
(1975), donde el cuerpo se convierte de nuevo en una performance
intima.
MIK AERNOUT
Nace en 1962, en Groningen (Holanda). Vive y trabaja
en Ámsterdam (Holanda)
Artista holandés, escultor de formación,
actualmente produce instalaciones que incorporan elementos
tridimensionales, objetos, personajes reales y proyecciones.
Los ambientes creados por Mik pretenden invitar al espectador
a formar parte de la obra y a participar en una atmósfera
deliberadamente indefinida, como si se hallara en la
frontera entre el sueño y la vigilia. De igual
modo que los niños buscan una sensación
de vértigo girando sin parar alrededor de sí mismos,
el artista perturba la conciencia del visitante y lo
convierte en el protagonista de un absoluto extrañamiento,
que pasa a través de varios sentidos a la vez:
a las sensaciones visuales se suman las sensaciones táctiles,
como un suelo blando o una pared velluda. A Aernout Mik
le interesa la creación de espacios heterogéneos
y rechaza la experiencia en un sentido único de
la visión frontal.
Mik participa en la Bienal de Venecia de 1997, y en el
año 2000 el Stedelijk Van Abben Museum de Eindhoven
le dedica una importante exposición.
THIERRY KUNTZEL
Nace en 1948 en Bergerac (Francia). Fallece en 2007 en
París (Francia).
Estudia filosofía, lingüística y semiótica
con Roland Barthes y Christian Metz en l'Ecole des Hautes
Etudes en Sciences Sociales, donde obtiene el doctorado.
Es Jefe tanto en la División de Investigación
de la French Radio and Television Office (ORTF) y en
el Instituto Nacional de la Comunicación Audiovisual.
Teórico cinematográfico y videasta francés,
cuyos escritos se distinguen entre las mayores contribuciones
al análisis textual del cine e instalaciones.
En 1970 empieza a escribir regularmente para la publicación
Camera Obscura y Film Quarterly Journal explorando la
fortaleza subliminal de películas como The Most
Dangerous Game (1932) y King Kong (1933).
A finales de 1970, Kuntzel cambia a partir de este análisis,
del cine a la producción de video. De representación
minimalista, aunque de contenido conceptual muy sugerente,
sus obras de video como Nostos I (1979), Time Smoking
a Picture (1980) y Le peintre Cubiste (1981) revelan
la esencia de la percepción de la realidad y la
representación, la memoria y el inconsciente,
relacionándose con los códigos del cine,
la fotografía y la pintura.
En 1995, realiza la obra Venises, producida por Le Fresnoy
y por la Bienal de Venecia donde fue exhibida. En 1995,
Fondation Cartier pour l'Art Contemporain produce la
obra Nostos III, completando la trilogía de Nostos.
In 1997, la galería René Blouin, Montreal
continua representando la labor de este artista,, presentando
su obra mas notable Le Tombeau de Michael Powell (1997)
y Manifestes (1997), donde continua con los intereses
conceptuales de Kuntzel: literatura, cine y psicoanálisis.
En la muestra Amour que realiza en la Fondation Cartier
se presenta Abandon (Ne me quitte pas) (1997), otra obra
representada por un tríptico de tres retratos.
CHRIS MARKER - http://www.chrismarker.org/
Nace en en Neuilly-sur-Seine (Francia). Vive y trabaja
en Paris (Francia).
Artista de culto, entre los desconocidos por el gran
público es el más importante de los cineastas
surgidos a partir de los años 50: se le atribuye
la patente del cine-ensayo o ensayo fílmico. La
dificultad para clasificar sus películas -su último
proyecto lo realiza exclusivamente para el metaverso
de Second Life- lo que confina a Marker en un limbo casi
inaccesible hasta ahora para los espectadores. Una serie
de circunstancias -la edición de sus obras más
importantes en DVD, la publicación de un magnífico
estudio-, propulsadas por el ciclo que el Festival Punto
de Vista de Pamplona le dedica hace dos años.
En 1960, década atravesada por el corporativismo
y las transformaciones del cine, Marker participa en
varios proyectos colectivos, entre ellos, Loin de Vietnam;
y junto a Godard y Resnais, realizan la creación
y distribución de “cine-tracks”, piezas
mudas realizadas para llamar a la acción obrera.
Con Le Fond de l'air est rouge (1977), Marker emprende
el viaje al desencanto por la utopía fracasada:
la obra de este ex-alumno de Jean Paul Sartre nunca pierde
del todo su afiliación humanista con el comunismo,
si bien se filtra la desilusión y la autocrítica
a medida que el sueño se desvanece. En su filme
en dos capítulos El último bolchevique
(1993), una reflexión-retrato en forma de cartas
póstumas dirigidas al cineasta ruso Alexander
Medevkin, dibuja una constelación del cine soviético
desde sus orígenes hasta la perestroika.
BRUCE NAUMAN
Nace en Fort Wayne, California (Estados Unidos) en 1941.
Vive y trabaja en Nuevo México (Estados Unidos).
Comienza a estudiar matemáticas, física
y arte en la University of Wisconsin en 1961. Su obra
se desarrolla sin privilegiar un estilo en particular;
juega con el arte conceptual y en particular con el body
art, tras haber atravesado una fase de funk art. A lo
largo de su carrera ha realizado esculturas, performances,
obra gráfica y videos. Su trabajo versa sobre
la reflexión del comportamiento del cuerpo, siendo
el arte el proceso de una experiencia vívida en
el presente, tanto por el artista o el espectador. Desde
1966 emplea con regularidad el neón, como contrapunto
lingüístico a las piezas escultóricas,
y entre 1968 y 1971 crea ambientes proyectando sobre
una pantalla, la imagen de los espectadores. Su trabajo
ha sido expuesto en múltiples exposiciones colectivas
y entre sus individuales se destacan: Whitechapel Art
Gallery de Londres (1987), Museum of Contemporary Art
de Los Angeles (MOCA) (1995), Museum Ludwig de Colonia
(2003), entre otras.
TONY OURSLER - http://www.tonyoursler.com/
Nace en 1957 en Nueva York (Estados Unidos). Vive y trabaja
en Nueva York (Estados Unidos)
Artista y performer norteamericano. Estudia en CarlArts
(California Institute of the Arts, Valencia) en California,
1979; donde es su tutor John Baldessari. Posteriormente
amplia estudios en Massachussets Collage of Art, Boston.
En 1981 realiza su primera exposición individual "Video
visions" expuesta en el Museum of Modern Art (MOMA),
de Nueva York valiéndole la admiración
de la crítica neoyorquina. En 1986 realiza una
exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo
Georges Pompidou, París, "Esferas de influencia".
Durante los últimos años de la década
de los ochenta y hasta 1992 realiza una serie de performances,
algunas en colaboración con otros artistas como
Mike Kelley o Constance de Jong, presentadas en Chicago,
Los Ángeles y Nueva York.
Participa en importantes certámenes internacionales,
entre ellos el Festival Mundial de Vídeo de La
Haya (1989), "Documenta 9," Kassel (Alemania,
1992), o la Bienal, Minima Media, Leipzig (Alemania,
1994). En la segunda participación en Dokumenta
X, Kassel (Alemania, 1997), Oursler presenta una de sus
más ambiciosas obras: The Poetic Project: 1977-1997.
The Poetics era un grupo de estudiantes que a finales
de los setenta tenían en común su curiosidad
por la experimentación con las nuevas herramientas
de expresión que tenían a su disposición:
performance, música vanguardista, danza, comedia
e imagen. El grupo de artistas se transforma en conjunto
musical, con ese nombre, y se separa definitivamente
en 1983. Oursler y su amigo Kelley deciden editar el
material. La obra se presenta en un espacio arquitectónico
caprichoso compuesto por obras de arte autónomas,
siete de las cuales eran fruto de la colaboración
entre Ourler y Kelley.
NAM JUNE PAIK - www.paikstudios.com
Nace en Seúl (Corea del Sur) en 1932. Fallece
en Miami (Estados Unidos) en 2006.
Tras cursar estudios de música en Seúl,
se traslada a Japón en 1950, donde redacta una
tesis sobre Schönberg. En 1956 parte a Alemania
Federal, ingresando al Laboratorio de Investigación
de Música Electrónica de Radio Colonia,
desarrollando desde un primer momento un agudo sentido
del escándalo público e introduciéndose
en la experiencia Fluxus . Bajo su influencia, se inicia
en el terreno del performance y la música experimental,
realizando una serie de anti-films desprovistos de imágenes.
La popularidad le llega a través de su participación
en performances eróticas y extravagantes, de corte
neodadá e influencia Zen, junto al artista y compositor
John Cage. En 1970, y tras cuatro años de trabajo
con Shuya Abe, logra acumular sus pasadas experiencias
en una única consola, siendo su programa Good
Morning Mr. Orwell (1984) el primer programa simultáneamente
retransmitido en Corea, Estados Unidos y Europa; además
de Bye Bye Kipling (1986), and Wrap Around the the World
(1988). En toda su producción se revela una actitud
irónica e irreverente que plasma en la pantalla
de televisión, entendiendo a éste como
un medio específico y objeto que posee cualidades
en sí mismo. Busca integrar las nuevas tecnologías
en la naturaleza, con la creación de paisajes
electrónicos: TV Buddha (1974), TV Garden (1974-78),
Fish Flies on Sky (1975), Family of Robot (1986) y Megatron
(1995). Si ya en los sesenta comienza a experimentar
con el láser, es en sus últimas producciones
y en colaboración con el técnico Norman
Ballard, crea nuevos espacios con luz y movimiento propios
de manera hipnótica.
La muestra Worlds of Nam June Paik, es la mayor retrospectiva
realizada en Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York
(Estados Unidos) en 2000, que itinera por Bilbao (España)
y Seoul (Coera del Sur).
ZINEB SEDIRA - http://www.zinebsedira.com
Nace en París (Francia) en 1962 de padres argelinos.
Vive y trabaja en Londres (Inglaterra).
En 1986 se traslada a Londres (Inglaterra). Se forma
primero en la Central Saint Martin School of Art, 1992-95,
a continuación en la Slade School of Art, 1995-97
y finalmente en el Royal College of Art, 1998-2003.
En su obra es capital la influencia que tuvo en su familia
la ocupación francesa de Argelia. Asimismo, y
empleando una mirada autobiográfica, su obra aborda
la difícil convivencia entre culturas, tradiciones
y formas de pensar. Mediante un lenguaje imbuido de documentalismo
y sobre todo de carga poética explora entre otras
cuestiones la importancia que tienen las mujeres en las
culturas norteafricanas como garantes de la historia
oral de las familias, amén de transmisoras de
una identidad cultural.
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